lunes, 16 de septiembre de 2013

Dcode 2013 o cómo Franz Ferdinand demostró quien manda

Un año más, Dcode Festival volvía a Madrid con un buen cartel (otro año más) que mezclaba artistas tanto nacionales como internacionales del panorama
indie.





Mi crónica da comienzo sobre las 20:00 con Love of Lesbian. Su concierto lo podría resumir de la siguiente forma: todo lo que consiguieron con 1999, discazo y buen directo, lo han perdido con el nuevo disco. Una pena.
Apenas hubo momentos de lucidez con John Boy, Algunas Plantas, Me amo o la subida al escenario de Amaral para cantar Segundo asalto, que recordaron tiempos mejores en los que uno iba a sus conciertos para vivir una experiencia que muy pocos grupos pueden ofrecer, pero parece que todo eso acabó (espero equivocarme de cara al futuro), una lástima la verdad...

Inmediatamente después de los lesbianos, Foals entraba en pista. Grupo de moda en el panorama indie que suenan igual que en el disco por tanto no decepcionaron. Lo única pega es que sus canciones son demasiado largas para la duración de los conciertos en un festi, por lo que Foals supo a poco. No faltaron los ya emblemas de la banda como My Number o Spanish Sahara.

Eran las 22:20 cuando Vampire Weekend tocaban sus primeros acordes bajo un fondo de flores estampadas. Grupo sin excentricidades que sabe cumplir y no decepcionar. Bastante decentes en directo. Sonaron exitazos como A-Punk u Horchata. Personalmente me llamó la atención lo bien que sonaron en directo las canciones más lentas, como Ya Hey. Volvería a repetir sin dudarlo.

A continuación llegamos a uno de los momentazos de la noche. Muy criticada por muchos por aparecer en el cartel de este año, Amaral calló bocas, una vez más. Personalmente, era la segunda vez que la veía en directo, y fue un verdadero placer igual que la primera vez.
Entrada al escenario con la voz de Nico cantando All Tomorrow's Parties de fondo que dio paso a una serie de canciones que hicieron botar a la muchedumbre expectante que disfrutaba con cada nota, yo incluido. Clásicos como Kamikaze o El Universo sobre mí (una de las mejores canciones que ha dado la música española), se mezclaban con canciones del buen último LP como Hacia lo Salvaje o Esperando un resplandor. Dio tiempo incluso a presentar una nueva canción: Unas veces se gana y otras se pierde, y a cerrar el conciertazo con una versión de Revolución en la que no faltó el estribillo de Heroes de Bowie.

Y por último, para cerrar la crítica, que mejor que con el "heroe" de la noche: Franz Ferdinand. En hora y media, bis incluido, demostró que es uno de los grupos que manda en el panorama musical actual. Su nuevo disco ya era bueno por si solo pero en directo le da incluso más fuerza y se vuelve increíble.
Estribillos pegadizos unidos a unos acordes de guitarra casi parecidos en muchas de sus canciones, constituyen la fórmula de esta grupo con la que consiguen hacer saltar y disfrutar a todo el respetable.
Do You Want To o Right Action entre otras, son las canciones que elevaron los pies una vez tras otra como si no hubiera un mañana.
Pero si había un momento que esperaba la gente y que yo personalmente también esperaba desde aquella tarde en la Plaza del Trigo con Supersubmarina en el pasado Sonorama, era oír los primeros acordes de Take Me Out. Acordes que fueron el pistoletazo de salida para sacar toda la euforia que a uno le queda dentro y compartirla con el resto de gente a base de dejarse la voz y el cuerpo en cada nota. Algo mágico.

En general buen festival y buen cartel. Esperemos la misma calidad para el año que viene pero con un recinto más grande y más días a ser posible.

Disfruten y critiquen.






 




lunes, 18 de junio de 2012

Bocanada de aire fresco para tiempos difíciles. Concierto de Bruce Springsteen en Madrid.

  
17 de Junio de 2012. Santiago Bernabeu. Madrid

Un simple escenario, con tres pantallas (dos laterales y una central), recibían a los fans del Boss minutos antes de empezar el concierto.

Todo el público, 55000 aproximadamente, grita y aplaude la llegada al escenario de Bruce y la E Street Band. "Hola Madrid", gritó el Boss al llegar al escenario con la correspondiente respuesta del público. Y sin más dilación, comenzó a sonar Badlands, lo que produjo la llegada del síntoma más propio de los conciertos de Bruce allá por donde vaya: manos en alto apuntando al Boss.

Tan solo separado por una cuenta de "one, two, three", se pasó del final de Badlands a los acordes de No Surrender, una de las favoritas de este servidor que os escribe, con la que definitivamente conquistó a todo el público poniendo en pie, saltando y cantando a grito pelao al más tímido de los espectadores. Y esto solo acababa de empezar.

Se continuó con canciones como We take care of our own o Wrecking Ball, que transmitieron ese aire de esperanza que transmite el nuevo disco, y que se mezclaron con clásicos como Spirit in the night o Be true.
Este recopilatorio fue la antesala de uno de los primeros momentos emotivos de la noche cuando comenzó a hablar en español y mencionó los tiempos difíciles y de crisis que vivimos hoy en día para a continuación tocar Jack of All trades, canción del nuevo disco que transmite las sensaciones de esperanza anteriormente nombradas mezcladas con un cierto espíritu de épica, lo que, como no, hizo sacar a la mayoría de los espectadores sus móviles, en otros tiempos hubiesen sido mecheros, y mover los brazos alumbrados a ritmo de la canción.

El concierto continuaba a medida que Madrid anochecía. Sonaron canciones míticas como She's the one o primicias mundiales en directo como Spanish eyes. Por supuesto Bruce no falló a la costumbre de sus conciertos y sacó a un niño de entre el público a cantar el estribillo de Waintin' on a Sunny Day.

Y por supuesto a lo que no falló fue a la hora de recordar a Nacho, un fan que tenía entradas para este concierto, y que tristemente falleció hace días, al que dedicó unas palabras: "Queremos dedicar esta canción a Nacho y su familia. Estas en nuestras plegarias". Tras estas palabras el Boss cogió la armónica y comenzó con The River, creando el momento más emotivo de todo la noche en donde más de uno y de dos se le puso los pelos de punta, como a mí, o se le escapó alguna lágrima.




 El concierto continuo con canciones como Because the night, The Rising o Thunder Road, canción con la que todos sentimos presente al "Big Man" Clarence Clemons, fallecido este año.( http://loquesuenaysonaba.blogspot.com.es/2011/06/clarence-clemons-1942-2011.html )

Tras un parón de unos segundos, el Boss comenzó con los bises. Encabezados por Rocky Ground y que continuaría con Born in the USA, donde todos nos sentimos americanos durante unos minutos, y la mítica y mágica Born to run, momento donde se cayó todo el estadio mientras nos dejábamos la voz y pensábamos que ojalá no se acabe nunca la canción.
Los bises continuaron con Hungry Heart, Seven Nights to Rock, Dancing in the Dark y Tenth Avenue Freeze-Out, canción con la cual la banda quiso dar un homenaje a Clarence a través de imágenes del saxofonista y así cerrar el concierto, o eso pensaban porque un publico enérgico e insistente consiguió arrancar otros acordes de la guitarra del Boss, que no eran nada más ni nada menos que los de Twist and Shout, canción con la que ya si que si, Bruce y su banda cerraron un concierto de casi cuatro horas inolvidables.

Bruce dejó claro una vez más porque le apodan el Boss y demostró ser un musico y profesional de los que ya no quedan, de los que disfrutan haciendo disfrutar incluso en tiempos difíciles.

Listado completo de las canciones que sonaron en http://www.pointblankmag.com/2012/06/17-06-2012-estadio-santiago-bernabeu-madrid/

Disfruten y Critiquen....







miércoles, 6 de junio de 2012

50 años de Love me do...

..o lo que es lo mismo, 50 años del primer paso del posiblemente mejor y más influyente grupo de la historia de la música: The Beatles.

Pese a ser escrita por el dúo Lennon/McCartney a finales de los cincuenta, la canción no fue grabada en estudio hasta el 6 de Junio de 1962, con Pete Best como batería. No sería hasta Octubre de ese mismo año cuando Ringo se encargaría de las baquetas en la grabación de dicha canción para el lanzamiento del sencillo el 5 de octubre.
Aunque no sería el último batería de la canción, ya que Andy White, contratado por George Martin que desconfiaba de las habilidades de Ringo, estaría presente en la batería para la grabación de la canción para el LP Please Please Me de 1963.

La canción consiguió el puesto número de 17 en 1962, en las listas Británicas. No fue hasta 1964 cuando alcanzó el número uno en listas americanas.

Antes de la canción, los Beatles eran un grupo popular de Liverpool, pero desconocidos fuera de su territorio. Fue Love me do la canción que les dio a conocer más allá, y que consiguió poner a los cuatro jóvenes en las radios y oídos de todo el mundo.

Disfruten y critiquen....

 





domingo, 29 de abril de 2012

Back to the past..... Revolver (1966)

Como si de Marty Mcfly se tratase, convertiré este blog en un delorean y viajaré a 1966 (no será mi único viaje) para rememorar la llegada al mundo de uno de los emblemas de la historia de la música: Revolver.



5 de Agosto de 1966.

Acaba de salir a la venta el séptimo álbum de los cuatro de Liverpool. No hace ni un año que estos jóvenes sacasen Rubber Soul (1965), un disco que fue la mejor (y poco esperable) evolución que pudo tener su predecesor Help! (1965) y que marcaría y abriría el camino para el inicio de algo magnífico, algo que Revolver confirmaría.

Ya de primeras la portada, te sorprende y te transmite que lo que tienes entre manos no es algo normal. Esta portada fue idea de uno de los viejos amigos de Hamburgo: Klaus Voormann.

El primer contacto de la aguja con el LP nos trae a la voz George Harrison para abrir y empezar lo que sería mi segundo viaje del día. Taxman nos da indicios de lo que nos vamos a encontrar si continuamos con este viaje, rock ácido y divertido, pensamiento que se nos queda corto cuando la voz de George da paso a un cuarteto de cuerda, efectivamente, hablamos de Eleanor Rigby, la genial canción compuesta por Paul, una canción que nos hace preguntarnos seriamente si realmente esto puede salir de la cabeza de unos veinteañeros, pero sigamos con este viaje porque ahora la palabra la tiene Lennon con su I'm only sleeping, maravilla psicodélica que nace de los frutos de experimentación de este con las drogas y la música.

El viaje continua con una parada en tierras indias a través de la oriental Love you to de Harrison y su gusto por esa cultura...

El viaje no para y continuamos a través de subamarinos amarillos ( yellow submarine) , cogería velocidad con la animosa And you Bird Can Sing, y pondría calma con la visita a la consulta del Dr. Robert.

Para cerrar el disco Paul pediría la ayuda de sonidos de vientos para hacer tributo a la música soul mediante la canción Got to Get You into My Life y John explotaría su interés por la experimentación sonora en busca de nuevos sonidos, lo que dará lugar a la última canción del LP Tomorrow Never Knows.

Una vez terminado el viaje te das cuenta que no has escuchado algo cualquiera, te has deleitado con algo grande, MUY grande, que aunque pensabas que el Rubber Soul (1965) ya era lo mejor que podían dar estos chicos a la música, esto, contra todo pronóstico lo ha superado y se pone a la par del Pet Sounds (1966) de los Beach Boys. Pero con un pequeño detalle a destacar, el Revolver sería el impulso que estos cuatro jóvenes necesitaban para crear y sacar a la luz posiblemente la obra musical más grande de todos los tiempos, el Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band (1967), pero bueno, eso ya es otra historia....

Revolver ocuparía el puesto número 3 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Disfruten y critiquen...


jueves, 15 de marzo de 2012

Vuelve Xoel...



Efectivamente, Xoel Lopez vuelve al panorama musical con el single "Tierra", adelanto de su primer disco en solitario post-deluxe, Atlántico.

Después de un, para muchos fans como yo, largo periodo por tierras sudamericanas, donde le ha servido para apartar Deluxe y tomar contacto de nuevas influencias, el gran Xoel pretende desembarcar en territorio español con melodías y letras llenas de nostalgia y de recuerdos no olvidados como podemos apreciar en "Tierra".

"Tierra" solo es un pedacito de Atlántico, disco que saldrá a la venta el próximo 17 de Abril y el cual esperamos con ansia.

Disfruten y critiquen...

domingo, 23 de octubre de 2011

Hacia lo salvaje y lo psicodélico....

Muchos de vosotros que estais al tanto del panorama musical al ver el título ya sabreis por donde voy, otros en cambio no sabreis a que se debe. Generalmente no suelo escribir sobre un disco en concreto, y menos recientemente editado, pero en esta ocasión voy hacer una excepción debido a dos discos recientes que me han llamado mucho la atención: Hacia lo salvaje de Amaral y El fluido García de Sidonie.

Ambos discos son resultado de un cambio brutal, musicalmente hablando, en el registro de ambos grupos. Son discos que rompen con lo anteriormente editado por parte de ambos grupos. El tiempo nos dirá si ha sido un paso adelante o hacia atrás.

Hacia lo salvaje de Amaral:



El single que salió meses antes con título similar al del album, ya nos mostraba un cambio en el sonido que nos tiene acostumbrado Amaral. Un sonido salvaje, fuerte, muy heroes del silencio, que desde un primer momento no pegaba con Amaral, o eso pensaba yo, porque fue escucharlo entero y decir: "Que discazo".
Hacia tiempo que no escuchaba un disco entero del tirón tan bueno. Es un disco en el que prebalece una voz salvaje y eléctrica de Eva y un sonido fuerte de guitarras por parte de Juan, algo que es muy habitual en sus directos.
El disco empieza muy fuerte y muy bien con "Hacia lo salvaje" , "Antártida" (mi preferida del disco) o "Esperando un resplandor" , continua con una serie de canciones más suaves en las que predomina muy buenas letras, como en "Riazor" o "Robin Hood", las cuales dan buena pausa para volver con las sonidos más salvajes con "Como un martillo en la pared", y terminar el disco con "Hoy es el principio del final" y "Van como locos", las más flojas del disco pero que finalizan bien el disco.

El general un disco muy recomendable, que me ha llamado mucho la atención ya que no esperaba mucho de este disco, y que transmite un nuevo sonido más "indie" que rompe con todo lo que nos tiene acostumbrado Amaral en los discos pero que nos acerca al sonido de sus directos.



El Fluido García de Sidonie:


Una de las razones por las que que haya tardado tanto en escribir la entrada de este mes, es este disco. Es un disco que necesitas oirlo más de una vez para asimilarlo bien. La primera vez que lo escuchas del tirón, aparte de transportarte, te deja impactao (en todos los sentidos) pensando: "¿Qué coño es esto?".

Ya de por si la portada te da una pista de lo que guarda el cd y todo lo que se han tomado Marc Ros y compañía a la hora de grabar el disco. El disco comienza con "El Bosque", una canción criticada por su simpleza pero que solo sería una introducción de lo que se avecinaba. A partir de "El Bosque" comienza un viaje de sonidos y psicodelia que recuerda al sonido sesentero, influenciado en especial por el Revolver de los Beatles, en donde encontramos viajes alienígenas y referencias al Ziggy Stardust de Bowie como en "A mil años luz", un sitar sonando acorde con una guitarra ("Negroni"), referencias a letras de los Beatles como en "Alma de goma" y múltiples efectos de sonido que incluso nos permiten oir a Marc Ros cantando al reves en "No mires atrás". Pero el climax del disco no llega hasta la mitad cuando suena "Bajo un cielo azul (de papel celofán)", una auténtica joya de canción en todos los sentidos: voces, letra, sonido, que empieza con un coro de voces a capela de los tres integrantes del grupo que te envuelve en una atmósfera musical increible.

Estamos hablando de un disco de psicodelia pura y dura, raro donde los haya, pero que si lo escuchas detenidamente del tirón en tu habitación es una experiencia musical como pocas vas a sentir en tus orejas, y menos en español.
Sidonie se la ha jugado mucho con este disco pero el tiempo les va a dar la razón.



Disfruten y critiquen.....



martes, 30 de agosto de 2011

Bitter Sweet Symphony

Pues ya llegado de las vacaciones, un mes despues, vuelvo a escribir una entrada. La verdad es que durante unos dias he estado pensando en que escribir, y podría escribir de Nirvana y su 20 aniversario de su disco por excelencia Nevermind, pero para ser sincero no soy muy fan de su música, considero que hay mucha mejor musica en los 90, pero quizás sea también que no lo tengo muy escuchado, nose el tiempo me dará, o no, la razón.... Después de descartar este tema para escribir no se me ocurría ninguno suficientemente rentable para una entrada, por lo que para inspirarme cogí mi ipod en sesión aleatoría y salió Whatever de Oasis, y sin hacer falta ninguna canción más, la idea de una entrada llegó en el momento justo que aparece en la canción su característico sonido de cuerdas, nose si violines violonchelos..., que acompañan la canción hasta el final haciéndola una canción más perfecta que con el sonido simple de guitarra, bajo y bateria. Me di cuenta la perfección que se puede lograr cuando un simple grupo de música pop o rock and roll, llega a mezclar su sonido con violiones o instrumentos de cuerda en general, instrumentos preparados para otro tipo de música...
 Esto no es cosa fácil solo los grandes de la música, consiguen esa unión perfecta que de algún modo fusionan el sonido clásico y melancólico de unos violines, con el sonido revelde y joven del pop o el rock and roll. En mi opinión cuando se consigue esa fusión, es un gran paso para crear magníficas canciones..Y para fortalecer mi opinión e intentar convenceros de ello, a continuación voy a hacer una selección de las mejores canciones que consiguen realizar esta fusión de una forma verdaderamente soverbia creando canciones que ya son míticas y forman parte en la historia de la música, bueno y que son las que mas me gustan.... disfruten y critiquen:

1- Eleanor Rigby (1966) - The Beatles
  
  Quizás los Beatles sean el grupo que más y mejor ha sabido experimentar con estos instrumentos, además los primeros en atreverse en hacerlo. Durante los años 50 y 60 la música clásica estaba en un segundo plano totalmente desaprobechada, con la llegada del pop y la experimentación, grupos como los Beatles o los Rolling, decidireron introducirla en su música, algo rarísimo para la época, pero que dio como resultado canciones emblemáticas. En el repertorio de los Beatles hay bastantes y buenas canciones con esta fusión, pero de todas ellas me quedo finalmente con Eleanor Rigby perteneciente al mítico disco Revolver (1966). Esta mítica canción solo cuenta con los violines y la voz de Paul, pero que consiguen fusionarse de forma excepcional, creando una atmósfera gris y melancólica..


2- Ruby Tuesday (1966) - The Rolling Stones

Siguiendo la estela de los anteriores por supuesto no podía faltar los Rolling. Esta canción perteneciente al disco Between the Buttons (1966), de los mejores de ellos sin duda, consigue crear una armonía perfecta entre la voz de Mick con los instrumentos de cuerda y las flautas que las acompañan hasta el estribillo donde entre la guitarra de Keith creando ese magnífico estribillo a coro entre los integrantes del grupo...


3- Nothing Else Matters (elevator version) (1994) - Metallica


La primera versión de esta balada lanzada en el 91 no contaba con la el sonido de la orquesta de la versión del 94, pero ya nadie se imagina esta canción sin el sonido de la orquesta sonando detrás de James Hetfield con su acústica. La versión del video de acontinuación es una magnífica versión en directo..


4- November Rain (1991) - Guns N´ Roses


En la línea de lo anterior, pero mejor aún, encontramos la fantástica balada compuesta por Axl Rose. Publicada en el 91 en la primera parte del Use Your Illusion, esta canción es de las mejores de los Guns y para mi una de mis canciones favoritas. Pese a que desde el principio parace que el peso de la canción lo lleva Axl en su piano, no es hasta que aparecen los violines cuando se llega al sonido emblemático que caracteriza la canción....


5- Only Time (2000) - Enya


Pese a no ser muy fan de Enya, si hablo de música y sonidos de cuerda , no puede faltar en esta lista con su conocidísima canción....



6- Whatever (1994) - Oasis


Lanzado como single, cuando aún había singles y además buenos, que recoge la herencia del Definitely Maybe (1994) y que nos muestra un poco de la grandeza, musicalmente hablando, que va a ser el (What´s the Story) Morning Glory? (1995). La canción en si es una maravilla, en la que se ve patente las influencias del grupos, con el sonido de la familia de cuerdas no recuerda a los Rolling, y por la voz al sonido eléctrico de la voz de Lennon, pero no es hasta el minuto 2:08 cuando Noel marca territorio y nos vuelve a recordar que son Oasis con ese sonido sucio y eléctrico que tanto les caracteriza y nos gusta de ellos....



7- Bitter Sweet Symphony (1997) - The Verve


Voy a cerrar la lista con la canción que da nombre a esta entrada. Para mi posiblemente la mejor de la lista, y es que pocas canciones se puede decir con solo escucharla que son un clásico y esta es una de ellas. La canción más famosa de Verve, el grupo tapado del BritPop pero que el tiempo y su Urban Hymns (1997)  les ha dado la razón. Disfruten y dejesen llevar.....